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11/07/2012

Le Musée d’Art Sacré de Pont-saint-Esprit accueille l’exposition ‘Un chemin de beauté’ du peintre Pierre Cayol

Le Conseil général propose jusqu’au 16 septembre  au Musée d’Art Sacré du Gard, à Pont Saint-Esprit, l’exposition de l’artiste peintre Pierre Cayol, intitulée « Un chemin de Beauté ».

C'est sur les terres d'Arizona que Pierre Cayol a trouvé "Un chemin de beauté", en résonance avec un chant navajo que les hommes médecine répètent au terme d'un rite de guérison : Je marche dans la beauté / La beauté est devant moi / La beauté est derrière moi / Je vais sur mon chemin de beauté. Passionné depuis toujours par les Amérindiens, Pierre Cayol se nourrit de la mythologie, des symboles, de la philosophie et de la sagesse des populations autochtones du Sud-ouest américain.
La lumière du Nouveau-Mexique et la beauté des déserts de l'Arizona, l'invitent à une réflexion métaphysique sur le cosmos et la place de l'Homme dans l'univers. De sa rencontre avec des lieux sacrés, tels Monument Valley, le pays Hopi, Canyon de Chelly, Shiprock, sont nés des paysages transformés, métamorphosés par le geste du peintre.
Ils bouleversent la vision classique de la réalité et laissent libre expression à la profondeur des croyances transmises par ces peuples indigènes Devant cet ensemble de toiles influencées par une pensée mythique, le spectateur est invité à capter l'énergie créatrice et à percevoir la nécessité de revenir aux origines, au primitif, pour retrouver le sacré terrestre.
Avec sa vingtaine de toiles, Pierre Cayol offre sa vision du monde et assume les grandes questions spirituelles dans une perspective contemporaine. Sa perception, élargie à la civilisation amérindienne, ne renie en rien sa propre culture et reste toujours liée à la racine vivante que représentent images et symboles universels.
Ses œuvres enseignent une voie à suivre et convient à un voyage initiatique, pour retrouver la magnificence de la terre et des origines. Dans sa démarche picturale, le peintre donne forme au réel et crée un lieu de passage et de convergence entre les différentes cultures. Il se situe au cœur de la démarche du Musée d’Art Sacré du Gard.

Pratique:
- Musée d’art sacré du Gard Maison des Chevaliers / 2, rue Saint-Jacques, Pont-Saint-Esprit
- Entrée gratuite
-Tél : conservation : 04 66 90 75 80
- Accueil : 04 66 39 17 61 Ouvert tous les jours sauf le lundi, de 10 à 12h et de 14 à 18 h30
- Parkings gratuits à proximité

payol

10/07/2012

"Dieu(x), modes d'emploi" : l'exposition de la rentrée au Petit Palais à Paris

 

Le Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, en association avec Tempora/Musée de l’Europe relèvent ce défi et proposent un voyage à travers les religions d’aujourd’hui, pratiquées aux quatre coins du globe et à Paris. On y croise les trois religions du Livre (judaïsme, christianisme et islam), les religions asiatiques (bouddhisme, hindouisme, taoisme…) et l’animisme, de l’Afrique à l’Océanie en passant par les Amériques. Du 25 octobre au 3 février

Croyants, agnostiques ou athées, chacun a pris en France l’habitude de vivre dans une société largement laïque. Ce n’est pas le cas ailleurs. Or nous voici tous confrontés à un phénomène nouveau : à la faveur des échanges migratoires et de la mondialisation des communications, les villes d’Europe sont devenues le creuset des religions du monde.
Cette rencontre n’est pas facile. Les croyants connaissent leur propre religion, très peu celle des autres ; non-croyants, appréhendent mal le fait religieux. Beaucoup ont tendance à ne voir dans la résurgence du fait religieux que ses aspects les plus révoltants.
Aussi est-il urgent de comprendre ce phénomène, qui risque d’être la grande affaire du XXIe siècle. Œuvres d’art, objets ethnographiques, maquettes côtoieront photos, films et bornes interactives pour tenter d’éclairer la variété des fois et témoigner de la richesse des cultes pratiqués ici et là sur la planète.
Pratique:
- Petit Palais Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Avenue Winston Churchill
-  Tél: 01 53 43 40 00
- Ouvert tous les jours, de 10h à 18h sauf les lundis et jours fériés. Nocturne les jeudis jusqu’à 20h www.petitpalais.paris.fr

dieux

Laurent Dubé chez les "Artistes Nomades" à Aubais

laurent dubéJusqu'au 29 juillet ""Les Artistes Nomades" et Didier Nick présentent : Laurent Dubé.

Artiste peintre contemporain, Laurent Dubé vit et travaille à Saint-Hippolyte-du-Fort, dans les Cévennes. Dans sa démarche, il se rapproche de plusieurs peintres du Nord de la seconde moitié du XXe siècle qui ont marqué leur temps comme Bram van Velde, De Kooning et plus particulièrement le Danois Asger Jorn. A la recherche de contrastes plus que de rapports, il place le vivant contre le mort, l’antérieur et l’actuel dans un assemblage perpétuellement remis en question. Le déploiement d’un tel ensemble coloré, aux formes enroulées les unes aux autres dans le vaste espace historique des salons du château d’Assas permet de mesurer la force expressive d’un maelstrom aussi heurté que sidérant

Pratique :
- Ouverture tous les jours de 16h à 19h
- Espace Hd Nick 324 chemin du chasaret, Aubais 
- Réservation tél : 04 66 80 23 63 ou hdnick@wanadoo.

laurent dubé

08/07/2012

Nathalie Junod- Ponsard et un océan de lumière au château d'Assas auViga

 

nathalie junod ponsard

 

"Un océan d'air' : une exposition de Nathalie Junod Ponsard. Cette artiste utilise la lumière, préoccupation majeure de son art, dans trois salles du château d’Assas du Vigan.
Cette artiste visuelle entraîne le visiteur dans un état hypnotique... jusqu'au 16 septembre.



La matière lumière est mise "en acte et en situation". Elle a pris le parti d’inverser le rapport usuel de l’objet à l’éclairage. La lumière n’est plus un instrument mais un sujet à part entière. Des dispositifs lumineux révèlent des espaces qui tendent à déstabiliser les repères habituels.

"Mes installations, explique Nathalie Junod Ponsard, entraînent le public à entrer dans des lieux saturés de lumières intenses et de variations chromatiques déterminées par certaines longueurs d’ondes, elles troublent les sens. La lumière transpose le visiteur dans un espace autre, modifié, densifié. Le visiteur est comme aspiré dans une immersion lumineuse et mouvante qui entraîne soit une perturbation physique des repères spatiaux ou une perturbation physiologique des repères perceptifs. L’expérience de l’espace dans sa nouvelle configuration lumineuse devient expérience physique et esthétique. Mes recherches m'ont amenée à explorer l'influence de la lumière sur les systèmes biologiques humains, à expérimenter les limites de la perception et les effets psychotropes de la lumière. La lumière est comme un révélateur d’une influence constante sur nous-mêmes, qui annonce la confrontation avec l’instant présent..."

Pratique:
-Entrée libre
- Exposition ouverte au public du lundi au samedi de 10h30 à 12h30 et de 14h à 18h
- A voir jusqu'au  au 16 septembre, sauf jours fériés.
- Le château d’Assas est associé aux Journées du Patrimoine du 15 et 16 septembre: il y aura donc en plus une ouverture exceptionnelle le dimanche 16 septembre.
- Contact: 04 99 64 26 62 du 2 juillet au 16 septembre

 

nathalie junod ponsard

 

07/07/2012

Michel Tartier et ses "robes de mamette" à Sète (Galerie terre d'art)

michel tartier,sète


A la galerie terre de l'Art (5 quai Léopold à Sète), du 6 juillet au 7 septembre Michèle-françoise Tartier vous fait découvrir sa nouvelle exposition "Robes de mamette...suite."
Chez le fripier, une vielle robe, coupe ringarde, au moins taille 50, des couleurs incroyablement gaies, éclatantes, mouvantes. Tout de suite la vision d’une forte mamette s’impose, généreuse, vive, hardie, loufoque, tendre. Je la vois. Elle ose !
Cette femme fait vivre ses couleurs, je l’imagine très bien. Je la vois, je la veux. Je veux cette liberté, ce mouvement, ce chant.
Cette liberté devient ma structure, une structure folle qui me permet de m’échapper, de poursuivre couleurs, fond et forme.

Michel tartier



06/07/2012

La Passion selon Melvyn Barros à Nîmes (Galerie Corps et Âme)

mevyn barros

Melvyn Barros, un talentueux artiste Nîmois, présente une toute nouvelle série "Passion" à la galerie Corps & Âme (1 bis rue Emile Jamais à Nîmes). A voir jusqu'au au 31 juillet. Vernissage ce soir à 18h30.

Melvyn Barros a fait ses études à l' université Vauban à Nîmes où il obtient une Licence en Arts Plastique et une Licence en Arts appliqués. Après avoir travaillé quelques temps comme graphiste pour une entreprise de textile, il renoue avec la peinture et travaille sur un projet personnel a forte tonalité visuelle.
Son travail, qualifié par certains comme de la "figuration libre"ou"nouveau fauve", s' inspire de la vie en général et de la sienne en particulier.
A travers ses œuvres, il prend la liberté de faire figurer toutes formes d'art sans frontières culturelles ni géographiques. Il utilise toujours des couleurs très intenses et des noirs très profonds qui cernent et emprisonnent les formes dans une atmosphère éclatante et ludique à la frontière entre le figuratif et l'abstrait. Quant au "petit bonhomme" avec une tête en forme de losange que l'on retrouve dissimulé comme une signature dans chaque toile, il observe, regarde, sans jamais véritablement être vu. Reflet de l'artiste lui-même ou du spectateur transporté dans son monde ?

melvyn barros

melvyn Barros



Jordi à la rencontre de l'homme et du taureau à Béziers

L'Espace Taurin à Béziers propose de découvrir les oeuvres de Jordi. Une rencontre colorée, pour comprendre et partager les traditions taurines régionales. Après l'exposition, à l'Espace Riquet, « Signes de terre » en 2010, déclinant la tête de taureau stylisée, Jordi, présente, cette fois, à L'Espace Taurin, une série de dessins originaux de style figuratif réalisée au cours des années 90 sur le thème de la course camarguaise et de la corrida. A voir jusqu'au 31 juilllet

Cette exposition permet à Jordi de faire partagersa passion pour les traditions taurines régionales, en apportant toujours une certaine modernité dans le traitement plastique. Cette série a pour but de privilégier d'abord le mouvement, puis dans un second temps de marquer les « territoires » de l'homme et du taureau, par deux aplats de couleur juxtaposés.
Dans cette « rencontre », moment intense et furtif où le danger est omniprésent, l'artiste a souhaité mettre en valeur les deux protagonistes, en jouant avec l'opacité ou la transparence des « lavis » d'aquarelle et d'acrylique. L'ensemble de cette exposition sera complété par des œuvres conceptuelles « Tête de taureau stylisée » et fera également un bel écho à la collection permanente des dessins de Goya de l'Espace Taurin.
 Pratique:
-  Espace Taurin Mail Plein Sud, Avenue Wilson, Béziers
- Tel. 04 67 35 28 46
- Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h
- Exposition gratuite tout public

jordi

 

05/07/2012

Fabienne Forel, huit jours a photographié Le Caire et une expo à Soudorgues

L'exposition photographique de Fabienne Forel : "A quoi rêvent les femmes et les hommes du Caire"passe par  Terre de Mauripe à Soudorgues ! Une occasion de rencontre et de partage. Vernissage de l'exposition  le 5 juillet à 18h30. A voir jusqu'au 29 juillet
 "Je passe 8 jours à photographier les différents quartiers du Caire. J’y retrouve des odeurs de mon enfance, du hall d’entrée de l’appartement de mon arrière-grand-mère, calle vistalegre, 17, à Barcelone. La même odeur de renfermé, de sucré et de saleté. Ce mélange odorant me ramène à l’image de ce hall et d’un rêve, le rêve de mes grands-parents immigrés en France de revenir dans leur pays d’origine. Je retrouve ici la même effervescence d’une ville en plein développement et de la pauvreté aussi. J’aime le centre ville Down Town, Talab Harb street. Cette rue me rappelle Calle Hospital à Barcelone. J’ai passé 8 jours à rencontrer des Cairotes dans la rue et à me laisser aller à l’intérieur de quartiers populaires. Je sonde la ville par une suite de fragments épars, par des détours, pour une visite en discontinu, comme dans un rêve... Partout la cohue, la chaleur, la promiscuité, la nonchalance, des hommes et des femmes... Dans mon journal de voyage, j’écris “ A quoi rêvent-ils ici ?”. Fabienne Forel.

Pratique:
- Terre de Mauripe à Soudorgues, près de Lasalle,
- Ouvert du mardi au dimanche de 9h30 à 12h30 à partir du 10 juillet, après-midi de 16h à 19h.
- http://www.fabienneforel.com

 

fabienne forel

 

04/07/2012

Miro et les arts graphiques au musée PAB d'Alès

miro


L'exposition "Miro et les arts graphiques est présentée en France. Et, ce sera au musée PAB d'Alès. Evénement!
 Sur le thème “Miró et les arts graphiques”, cette exposition met l’accent sur les talents de graveur du célèbre artiste catalan, à travers des gravures grand format de la Fondation Miró, mais aussi à travers des gravures présentées dans des livres, notamment dans des livres édités par l’Alésien Pierre-André Benoit. Vingt-six gravures grand format  (1,20 mètre sur 1 mètre), emblématiques du style de Miró, seront présentées au musée PAB.
 Cette exposition est un véritable événement car elle n’a jamais été présentée en France par la Fondation Miró. Les gravures de Miró dans des livres Bibliophile averti, Miró a collaboré avec Pierre-André Benoit de 1953 jusque dans les années 1970, principalement sur des livres de petit format, monochromes, à diffusion très réduite.
Outre les livres édités par PAB, le musée présentera également une quinzaine d’autres livres dont Miró a signé les illustrations, sur une période de 40 ans, livres souvent édités par Maeght, avec René Char, Paul Éluard, Tristan Tzara...
Pratique:
- A voir jusqu'au 16 septembre
- Vernissage mercredi 4 juillet à 18h
- Musée PAB, rue de Brouzen, Alès
- Ouverture tous les jours de 11h à 18h, sauf le 14 juillet
- Tarif : 5 € (gratuit pour les moins de 12 ans, demi-tarif pour les 12-18 ans, les étudiants, les handicapés, …).
- Tél. 04 66 86 98 69

miro


 

Ghislaine Ferreira et ses portraits expressionnistes à la galerie "The smART-home shop" Uzès

ghislaine feirrera,uzès

 


Ghislaine Ferreira revient chez "The smART-home shop" à Uzès ave cune série de portraits expressionnistes. Vernissage 7 juillet 19h,  en présence de l'artiste. A voir jusqu'au 31août.

Ghislaine Ferreira s’inscrit pleinement dans le mouvement expressioniste. Née dans le lot et Garonne , attachée a Bordeaux et vivant maintenant a Angers, son parcours artistique de presque 30 ans se nourrit de nombreux apprentissages et échanges avec d’autres artistes. Peintre généreux et sensible , elle a choisi de s’exprimer a travers le portrait .
Avec chaque tableau, elle propose une lecture profonde et humaniste de l’autre qui fait echo à ce que nous sommes tous . Son message: la vie est precieuse , fragile , complexe et parfois difficile mais demain est porteur de nouvelles promesses , de nouveaux espoirs.
"Je peins, explique Ghislaine Feirrera,  pour montrer l’instant fragile .... Le bonheur est ephemere , il ne dure que l’instant du bonheur... La conscience de notre mort nous poursuit et nous hante inconsciemment . La vie , notre vie est une succession de drames et de psychodrames parfois infimes qui nous façonnent , qui nous marquent , qui nous ramènent a l’urgence . Nous voyons s’absenter de notre champs sensible les êtres aimés et notre chemin chaque fois se trouble .... Je peins cet appel a la vie comme un cri pour que s’arrete cette souffrance , pour que l’on reste sensible a l’autre , l’humain ...."



Libertivi.com - Écoutez Voir - Ghislaine Ferreira par Libertivicom

Pratique :
- 21 rue du docteur Blanchard, Uzès ( dans le sous-sol de cette même adresse )
- contact : the-smart-home-shop@live.fr
- Ouverture : Mercredi / Jeudi / Vendredi / Samedi / Dimanche / Jours Fériés / 11h à 13h & 15h30 à 18h 

ghislaine feirrera,uzès

ghislaine feirrera,uzès

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03/07/2012

Thierry Citron et ses pastels à la frontière de l'abstrait à la galerie de l'Ecusson à Montpellier

thierry citron

La galerie de l'Ecusson à Montpellier  a présenté les dernières créations du peintre parisien Thierry Citron par une belle journée de début d'été au domaine de Morties au pied du Pic Saint-Loup.  Une jounée placcée sous les signe de l'art et du vin avec bien sûr dégustation des nouveaux millésimes du domaine et exposition des oeuvres d'Artigasplanas, Mireille Chevin, Jivko et Vallade. L'exposition se poursuit à la galerie, rue de l'Ancien Courrier.  

Thierry Citron est né à Maisse en 1953. Autodidacte de formation,  il a acquis les bases du dessin et de l'harmonie des couleurs au  Lycée François Ier de Fontainebleau, sous la direction de Georges   Galipon. Après avoir travaillé à la plume, il travaille sur le motif au pastel tendre depuis 1981. Les critiques ne tarissent pas d'éloges sur lui :  « Il a une sensibilité impressionniste à la frontière de l'abstrait. Il travaille beaucoup en extérieur à partir de choses réelles qu'il observe, et c'est formidable le recul qu'il parvient à prendre quand ensuite il retranscrit sur ses toiles », explique Patricia Bigaré, fascinée par le travail de l'artiste. Ce dernier chemine donc à la frontière de l'abstraction tout en rendant aux paysages toute leur lisibilité" Ou encore : : "Les pastels de Thierry Citron accrochent des brins de fraîcheur, des clairières pimpantes aux épaules d'un monde à feu et à sang. Les coloris chatoyants lapent les surfaces qu'ils entraînent dans des ondes répétitives.... ".

thierry citron

Hervé di Rosa au Carré Saint-Anne à Montpellier

 

herve dirosa

 

 

herve di rosa,carre saint anne,montpellierGrande exposition d'Hervé Di Rosa jusqu'au dimanche 14 octobre au Carré Sainte-Anne
Séduit par le côté atypique du lieu, comme par le fait de confier le commissariat d'exposition à son ami François Bebing, Hervé Di Rosa présente son exposition « Yhayen (procession) » du 29 juin au 14 octobre 2012 à Montpellier, dans l'ancienne église néogothique du Carré Sainte-Anne.
C'est la première fois que l'artiste expose à Montpellier. La configuration du lieu et sa dimension sacrée ont immédiatement guidé le projet de l'exposition. Un très grand nombre des sculptures africaines de Di Rosa, fétiches géants (jusqu'à 3 mètres de hauteur) issus de son imaginaire et réalisés selon la technique africaine traditionnelle du « bronze », sera aligné dans la nef de Sainte-Anne, comme une foule en procession.
Le chœur accueille deux bâches immenses de huit mètres par trois réalisées par l'artiste pour l'occasion. Une exposition qui va conjuguer la célébrité d'un nom au caractère inattendu des œuvres présentées.


Pratique :
- Le Carré Sainte-Anne,  espace d'art contemporain de la Ville de Montpellier
- Rue Philippy, Montpellier
- Tél. : 04 67 60 82 11
- Ouvert du mardi au dimanche (sauf 25 décembre, 1er janvier et 1er mai) de 10h (11h l'été) à 13h et de 14h à 18h (19h l'été)
- Entrée libre

 

herve di rosa,carre saint anne,montpellier

herve di rosa,carre saint anne,montpellier

 

02/07/2012

Daniel Buren, Ann Veronica, Janssens Mai-Thu Perret, Veit Stratmann, James Turrell, Felice Varini, Jessica Warboys marchent dans la couleur à Sérignan

Daniel Buren, Ann Veronica Janssens, Mai-Thu Perret, Veit Stratmann, James Turrell, Felice Varini, Jessica Warboys, présentent  "Marcher dans la coleur" au Musée régional d’art contemporain Languedoc-Roussillon à Sérignan.
Cette exposition réunit plusieurs artistes internationaux de premier plan qui proposent une expérience de la couleur dans l'espace. Avec de nombreuses pièces produites ou réactualisées spécialement pour l’exposition. Une visite qui se révèle un grand parcours de sensations colorées. 
A voir  du 1er juillet au 28 octobre 2012. Vernissage aura lieu le samedi 30 juin.  


Daniel Buren Né en 1938 à Boulogne-Billancourt (France) - Vit et travaille in situ. En 1965, Daniel Buren met au point son « outil visuel » : des bandes verticales de 8,7 cm de large alternées blanches et colorées, répétant ses rayures à l'infini et sur tous les supports. Le choix d'un motif fabriqué industriellement répond à son désir d'objectivité. En 1966, Buren s'associe avec les peintres Olivier Mosset, Michel Parmentier et Niele Toroni, avec lesquels il organise des manifestations très controversées, créant le groupe BMPT. Ce qui lie « BMPT » est la pratique commune de la répétition systématique d'un même motif, ainsi que la volonté de s'opposer radicalement à la scène artistique parisienne, très académique. Ce travail est l'occasion d'examiner non plus seulement les limites physiques de la peinture, mais également les frontières politiques et sociales du monde de l'art. Se posant toujours en théoricien de son propre travail, Daniel Buren accompagne toutes ses installations d'un descriptif, de notes explicatives : de l'emploi dans les premières toiles d'un tissu industriel constitué de bandes égales et verticales blanches, à l'utilisation de ce tissu comme lieu de l'inscription de la peinture, à la peinture comme non-lieu. Buren met très vite au point le concept de travail in situ, c'est-à-dire d'une intervention artistique intrinsèquement liée au lieu dans lequel le travail est programmé et réalisé. Buren procède toujours à une analyse du lieu en révélant ses particularités les plus significatives et les moins visibles. Buren parle lui-même « d'instrument pour voir », car paradoxalement, en se limitant à un motif unique, il parvient à un élargissement du champ visuel du spectateur. L'oeuvre révèle le lieu et ce lieu même la rend intransportable et donc éphémèreensations colorées qui invite le spectateur.

daniel buren

Daniel Buren, Photo-souvenir : Rotation, travail in situ, 2006. Vinyles colorés auto-adhésifs sur 46 fenêtres, dimensions variables. © Daniel Buren, Adagp. Collection Musée régional d’art contemporain Languedoc-Roussillon, Sérignan. Photographie : Jean-Paul Planchon



 

Ann Veronica Janssens Née en 1956 à Folkestone (Royaume-Uni) - Vit et travaille à Bruxelles (Belgique). La pratique de l’artiste Ann Veronica Janssens pourrait se définir comme une recherche basée sur l'expérience sensorielle de la réalité. Par divers types de dispositifs (installations, projections, environnements immersifs, interventions urbaines, sculptures), Ann Veronica Janssens invite le spectateur à franchir le seuil d'un espace sensitif nouveau, aux limites du vertige et de l'éblouissement. Dans un registre inspiré de processus cognitifs (perception, sensation, mémoire, représentation), ses oeuvres tendent vers un certain minimalisme, soulignant le caractère fugitif ou fragile des propositions auxquelles elle nous convie. Spatialisation et diffusion de lumière, rayonnement de la couleur, impulsions stroboscopiques, brouillards artificiels, surfaces réfléchissantes ou diaphanes sont autant de moyens lui permettant de révéler l'instabilité de notre perception du temps et de l'espace. Les propriétés des matériaux (brillance, légèreté, transparence, fluidité) ou les phénomènes physiques (réflexion, réfraction, perspective, équilibre, ondes) sont questionnés avec rigueur dans leur capacité à faire vaciller la notion même de matérialité. « De façon générale, j’aime cette idée que l’on puisse convoquer et transporter la sculpture, la couleur ou la forme en soi sans qu’elle vous soit imposée par l’artiste. Mon intervention se limitant à créer des conditions minimum, presque rien, à leur expérimentation, chacun reste libre d’agir sur lui-même pour explorer et interpréter le sens de son expérience personnelle. » Ann Veronica Janssens.

ann veronica janssens

 Ann Veronica Janssens, Bluette, 2006. Brume et lumière artificielle, 120 cm de diamètre. Courtesy Air de Paris.



Mai-Thu Perret Née en 1976 à Genève (Suisse) - Vit et travaille à Genève. La production pluridisciplinaire de Mai-Thu Perret, artiste suisse d'origine franco-vietnamienne, se déploie à travers différents médiums aussi variés que la sculpture, la peinture, la vidéo, le son, mais aussi le texte ou même encore la céramique. Marquée par les mouvements avant-gardistes du XXe siècle et par les philosophies orientales, l'oeuvre de Mai-Thu Perret comporte de nombreuses références culturelles, historiques et littéraires. Elle a commencé sa carrière d'artiste à la fin des années 1990, après des études de Lettres à Cambridge tout en dirigeant l'Espace d'art contemporain Forde à Genève. Elle se fait remarquer sur la scène internationale avec son oeuvre The Crystal Frontier (1999), récit autour d'une communauté imaginaire de femmes qui se serait implantée dans le désert du Nouveau Mexique. Elle poursuit la chronique de cette communauté utopique depuis plus de dix ans en créant, pour donner corps à cette collectivité, un journal de bord et des objets qui appartiendraient à ces femmes. Dans son travail, Mai-Thu Perret se plaît à mêler fiction et réalité en glissant des références historiques et littéraires, pour brouiller les pistes et multiplier les interprétations. C'est par la fiction qu'elle revient sur le passé pour interroger le présent. À travers son travail, elle réfléchit à l'héritage de la pensée utopiste dans la société capitaliste contemporaine.

mai thu perret

Mai-Thu Perret, We, 2007. Techniques mixtes. Vue de l’exposition au Bonnefanten Museum, Maastricht, Pays-Bas, 2007. Courtesy de l’artiste & Bonnefanten Museum, Maastricht. FNAC 08-062, Centre national des arts plastiques.

 

Veit Stratmann Né en 1960 à Bochum (Allemagne) - Vit et travaille à Paris (France). La démarche de Veit Stratmann s’articule autour d’une réflexion sur l’espace et sur son utilisation. Ses oeuvres sont généralement en lien étroit avec les lieux où l’artiste est invité à intervenir. Leurs dimensions, la neutralité de leurs formes et de leurs couleurs, les matériaux utilisés, et leur positionnement dans des lieux de passage, donnent aux oeuvres de l’artiste l’apparence d’un mobilier urbain improbable qui engage le spectateur à s’interroger sur ses habitudes perceptives et à remettre en question son appréhension physique de l’espace : « la question des dimensions du corps humain est partout dans ce que je fais, en plus de très fortes références aux normes architecturales. J’utilise des codes comme des informations envoyées au spectateur, des invitations à une action possible ». Car le geste, l’expérience physique du franchissement correspondent, selon l’artiste, à une sorte d’engagement de la part des spectateurs. Les notions liées à l’idée de limites, de frontières et de leur franchissement sont récurrentes dans son travail et le comportement du visiteur y devient déterminant

 

veit stratmann

 Veit Stratmann, Un Sol parisien / A Paris floor, 2010. Moquette, cornières d’aluminium, dimensions variables. Vue de l'exposition « Un Sol parisien / A Paris floor », Galerie chez Valentin, février-mars 2011. Courtesy Galerie chez Valentin. Photographie : Florian Kleinefenn

 

James Turrell Né en 1943 à Los Angeles (USA) - Vit et travaille à Flagstaff en Arizona (USA) et en Irlande. Né dans une famille quaker d'origine franco-irlandaise, son médium de prédilection est la lumière. Depuis la fin des années 60, les installations de James Turrell, appelées aussi « environnements perceptuels », sont réalisées à partir d'un seul matériau : la lumière, naturelle ou artificielle. Mis à part les dessins et les plans qui accompagnent ses oeuvres de plus grande envergure, sa production ne comporte ainsi aucun objet en tant que tel. Ses interventions, ses installations « en chambre » ou à ciel ouvert, procèdent toutes d’une quête artistique qui déstabilise nos relations au réel. En manipulant la lumière, James Turrell sollicite les sens, il se joue de la perception du spectateur, il la bouscule, la trompe : « La lumière m'intéresse en fait comme la révélation même, je ne suis pas un artiste de la lumière, je suis plutôt quelqu'un qui utilise la lumière comme matériau afin de travailler le médium de la perception. » Entre ses mains, la lumière prend une extraordinaire matérialité. Il créé des espaces fictifs, troublants et fascinants.
 

james turrell

James Turell, Red eye, 1992. Installation appartenant à la série des « Wedgeworks ». Tubes fluorescents rouges et bleus, blanc de Titane, placoplâtre. © Collection macLyon © Blaise Adilon
 

Felice Varini Né en 1952 à Locarno (Suisse) - Vit et travaille à Paris (France). S’articulant autour du traitement de l’espace, de l’architecture et de la perception visuelle, le travail de l’artiste suisse Felice Varini prend généralement une forme spectaculaire. Souvent associées à des lieux anciens à l’architecture affirmée ou à des espaces extérieurs, les formes géométriques colorées qu’il peint sont conçues pour être appréhendées selon un point de vue bien précis. « L'espace architectural, et tout ce qui le constitue, est mon terrain d'action. Ces espaces sont et demeurent les supports premiers de ma peinture. J'interviens dans un lieu chaque fois différent et mon travail évolue en relation aux espaces que je suis amené à rencontrer. En général je parcours le lieu en relevant son architecture, ses matériaux, son histoire et sa fonction. À partir de ses différentes données spatiales je définis un point de vue autour duquel mon intervention prend forme. J'appelle point de vue un point de l'espace que je choisis avec précision : il est généralement situé à hauteur de mes yeux et localisé de préférence sur un passage obligé, par exemple une ouverture entre une pièce et une autre, un palier... Je n'en fais cependant pas une règle car tous les espaces n'ont pas systématiquement un parcours évident. Le choix est souvent arbitraire. Le point de vue va fonctionner comme un point de lecture, c'est à dire comme un point de départ possible à l'approche de la peinture et de l'espace. La forme peinte est cohérente quand le spectateur se trouve au point de vue. Lorsque celui-ci sort du point de vue, le travail rencontre l'espace qui engendre une infinité de points de vue sur la forme. Ce n'est donc pas à travers ce point de vue premier que je vois le travail effectué ; celui-ci se tient dans l'ensemble des points de vue que le spectateur peut avoir sur lui. Si j'établis un rapport particulier avec des caractéristiques architecturales qui influent sur la forme de l'installation mon travail garde toutefois son indépendance quelles que soient les architectures que je rencontre. Je pars d'une situation réelle pour construire ma peinture. Cette réalité n'est jamais altérée, effacée ou modifiée, elle m'intéresse et elle m'attire dans toute sa complexité. Ma pratique est de travailler ici et maintenant. » Felice Varin

felice varini

Felice Varini, horizontale, verticale, Sérignan, 2012. Production Musée régional d'art contemporain Languedoc-Roussillon, Sérignan. Photographie : Jean-Paul Planchon
 

Jessica Warboys Née en 1977 à Newport (Royaume-Uni) - Vit et travaille à Londres (Royaume-Uni) et Paris (France). Montagne, soleil, galaxie, créatures du passé, poésie, tous ces éléments se rencontrent et travaillent ensemble. Ombres et rideaux sont des personnages. Le coeur a un langage ; le rythme fait couler l’encre. Une chose est certaine, une autre profondément précaire. Toutes ces pistes convergent pour former une histoire, et vous pénétrerez l’univers de Jessica Warboys. Souvent, elle parvient à capturer les forces invisibles qui fluctuent entre les aspects les plus intimes de l’ego et les territoires extra-humains. Récemment, elle a mis à contribution la mer et le soleil sur une série de toiles grand format. Pour réaliser ses Sea paintings, elle immerge la toile dans la mer, permettant ainsi aux vagues et au vent de traverser les pigments appliqués à la main, laissant la trace de leur mouvement. Dans ses cyanotypes/photogrammes, le négatif de l’image est constitué par l’ombre laissée par différentes formes placées momentanément sur des toiles photosensibles exposées au soleil. Sa manière de représenter des images à la lisière du concret et de l’éphémère fait que ses films et ses constellations d’objets sont habités à la fois par des motifs hautement complexes et des formes visuelles très simples. Dans son oeuvre, elle prolonge le passage nécessaire à la transformation d’une chose en une autre. Au cinéma, comme dans la magie, une simple coupe nous occulte ce mouvement : dans les films de Jessica Warboys, il nous est permis de suivre le processus de transformation. Grâce à cette particularité, la plus grande des transformations se déroule dans notre propre perception et notre propre attente.

jessica  Warboys

Jessica Warboys, Ocean Painting, Portmain, 2010. Collection du Frac des Pays de la Loire, oeuvre produite par le Frac des Pays de la Loire dans le cadre des Ateliers Internationaux. Photographie : Vaida Budreviciuté.

Mchel Fançois présente "Pièces à conviction" au Crac de Sète

Michel françois, sète

Eposition au CRAC de Sète avec "Pièces à conviction" de Michel François, un artiste qui vit et travaille à Paris et Briuxelles. La production des oeuvres de l’exposition "Pièces à conviction" est réalisée en collaboration avec la galerie Kamel mennour. Cette présentation a reçu le soutien de la galerie Xavier Hufkens Bruxelles  et de Wallonie Bruxelles International. A voir jusqu'au 30 septembre.

Dans un monde apparemment balisé et hierarchisé, mais qui est bien plus chaotique et incontrôlé qu’à l’évidence, le travail foncièrement sculptural de Michel François, à l’inverse manifestement chaotique et subtilement cadré, est un modèle de reconfiguration sensuelle et idéologique de l’immédiat. Son plaisir des formes et des jeux de représentation est fondé sur un certain émerveillement pour les matières, la nature, les situations ou les idées du monde. Malgré la crudité parfois sombre de certaines références, l’artiste travaille finalement sous le signe de la réconciliation de champs parfois éloignés et contradictoires du monde de l’art. Une sculpture très formelle sous-tendue par un ensemble de strates théoriques et idéologiques complexes. La revendication d’un art libéral tout en assumant la part servile du travail. Les questions idéologiques de la modernité ( le quotidien comme matériau, l’art comme cosa mentale, l’universalité des formes, l’abstraction, la sérialité) sans tourner le dos aux grands enjeux de l’art classiques (la perspective, la nature, le travail manuel, la métaphore, l’illusion, le trompe l’oeil). Une attention au monde et à la sphère intime neutralisée par l’élégante distanciation des formes. Une clarté et une simplicité représentatives opposée à l’indétermination des perceptions. Bref, une prise de responsablité physique et morale des exigences fondamentales de la sculpture, sans céder sur laliberté, le risque et l’incertitude

«L’ensemble de la production de Michel François s’inscrit dans un système en apparence hétéroclite, mais diablement efficace et ô combien pertinent, un work in progress permanent, où chaque oeuvre produite en recèle potentiellement plusieurs autres en son sein. Si rien dans son travail ne nous est donné directement, une amorce de scénario est toujours présente, libre ensuite à chacun de dénouer les noeuds, d’opérer d’éventuels rapprochements. Dans cette démarche globale, aucun opportunisme ou envie de séduire, simplement la volonté de recycler, d’expérimenter toujours et sans cesse. Et si la contamination, le parasitage de certaines oeuvres par d’autres pourraient parfois laisser planer une impression de déjà-vu, de redite, il est toujours un détail, un point de vue nouveau, un décalage qui s’opère pour venir enrichir le propos. La matière n’est jamais contrainte, elle vit et évolue sans cesse. (...)» Extrait texte paru dans la revue 02, écrit par Antoine Marchand, 2010.

Pratique:
- Centre régional d’art contemporain Languedoc-Roussillon, 26 quai Aspirant Herber, Sète
- Tel. 04 67 74 94 37
-  http://crac.languedocroussillon.fr crac@cr-languedocroussillon.fr
- Ouvert tous les jours de 12h30 à 19h. Fermé le mardi Week-end de 15h00 à 20h00 ( horaires été)

Michel françois, sète

Michel françois, sète

01/07/2012

Liliane Rubio (Sculptures) et Saireo (Peinturesà à la Mirondella des arts de Pézenas

 

 Liliane Rubio, sereo, pézenas

 Liliane Rubio, sereo, pézenas

 

Dans le cadre de la Mirondella des arts de Pézenas, exposition  de Saireo (Peintures) et  Liliane Rubiou (Sculptures). A voir jusqu'au 30 juillet.
Saireo est né à Paris où il a étudié l’architecture. Il peint depuis sa jeunes-se et se consacre totalement à la peinture depuis 1998. Pour lui, l’art ne doit pas être décoratif, mais une interaction entre le peintre et le specta-teur. L’art doit être libre et créer des émotions. Outre la peinture acryli-que, il utilise d’autres matériaux qui rendent son travail unique. C’est un mélange de lumière, de reflets, de composition et d’abstraction. On res-sent sa passion pour l’architecture, mais l’homme est au centre de ses tableaux. Il tra-vaille par série et, au fur et à mesure, change sa technique et son matériel. Depuis quel-ques années, il habite partiellement à Amsterdam. Il se partage aussi entre le Nord de la France et le Languedoc. Artiste international, il expose en France, en Belgique, en Autriche et aux Pays-Bas. Saireo est un homme sensible, chaleureux, cultivé, qui, à la passion de l’architecture et de la peinture, ajoute celle de la musique, il peint en écoutant de l’opéra.



Liliane Rubio : « L'eau, l'air, la terre, le feu....ces éléments naturels sont à la fois mes sources d'inspiration et les matériaux que j'ai choisi d'utiliser. En modelant l'argile puis en la cuisant à très haute température, je confie au feu le soin de reconstituer la roche par la fusion, comme un volcan. Ainsi mes formes jaillissent de la terre : déesse de la fécondité en Afrique, elle est mère nourricière et, avec l'eau, source de vie. Femme, je mets au monde mes créations. La Terre est aussi notre planète, globe fragile sur le-quel l'homme vit en équilibre, cherchant l'envol et l'espace. L'homme, la femme, les enfants, la vie, la souffrance, la mort : espoirs et inquiétudes éternelles. »


Pratique:
- Hôtel des Barons de Lacoste Rue François Oustrin, Pézenas
- Tous les jours, sauf le dimanche et e lundi matin, 10 h 30 - 12 h 30 et 15 h - 19 h

www.mirondela.com

 Liliane Rubio, saireo, pézenas

 

 

 

 Liliane Rubio, saireo, pézenas

 

 

Lewis Rivière à Pézenas avec Arts 23


pezenasUne 2ème exposition arts23 ouvrira ses portes la semaine prochaine à Pézenas, dans le magnifique hôtel particulier Flottes de Sebasan avec les sculptures, dessins et photographies de Lewis Rivière.

30/06/2012

Corrine Tichadou et ses bestiaires au Palais des rois de Majorque à Perpignan

Cet été, Corrine Tichadou prsente ses bestaires au Palais du Roi de Majorque à Perpignan.? A voirjusqu'au 19 août.

Ancienne élève des Beaux Arts de Perpignan, Corinne Tichadou cherche à capter l’essence des choses et des êtres à travers leurs avatars. Naissent alors des séries de flacons, d’éventails, d’orants, d’amoureux musiciens, d’oiseaux et de toutes sortes d’animaux. Cet été, ses bestiaires, étonnant et singuliers, se dévoilent sur les cimaises du Palais des Rois de Majorque.
"Mon champ d'action, dit-elle,  est, et sera toujours, la peinture. Dans ce monde étrange, il est important que je propose des images étranges. Dans ce monde si fort, si imposant, j'ai besoin de créer des images allusives. Dans ce quotidien fait de violence moi j'ai besoin d'humanité"

Pratique :
- Du 29 juin au 19 août, à Perpignan. Au Palais des rois de Majorque.
- Tel.04.68.34.48.29.

corrine tichadou, perpignan

corrine tichadou, perpignan

29/06/2012

Lancement de la nouvelle galerie Expo 1 à Montpeliler

expo 1

 

Lancement de la nouvelle galerie Expo 1, hier soir : chaude ambiance autour de la dizaine d'artistes présents.
A l’issue de cette première année active marquée par la présentation de travaux mixtes issus de la récupération et la découverte d’artistes montant dont la force et l’engagement sonnent en coeur, 2012 voit un nouveau tournant de la galerie Art Maniac.
Aujourd’hui EXPO1, après les travaux du printemps 2012 initiés par deux artistes, Akoi Aka et Loïc Mèze pour un nouvel écrin, la place est donnée aux artistes, à leur diversité, à leur richesse. La présence en expo permanente d’au moins une oeuvre de chaque artiste de la galerie, quelques expositions de brève durée (une heure, une journée, une semaine) nommées “Expos Flash”, ou enfin la possibilité pour un primo-exposant d’être accueilli par une galerie d’art qui fait confiance aux artistes et qui reste un lieu où la convivialité, la découverte, le plaisir d’échanger et partager restent les maîtres mots.
Pratique :
-Galerie d'Art Expo 16 Rue Bonnier d'Alco, Montpellier

expo 1,montpellier

 

expo 1,montpellier

 

"Rencontre" avec Agnès Nazarian (Sculptures) et Bettina K. (Peintures) à Allègre les Fumades

Agnès Nazarian,  Bettina K, allegre les fumades

 "Une rencontre" belle exposition de sculpture  et de peinture à  la maison de l'eau Les Fumades les Bains d'Allègre les Fumades d' Agnès Nazarian et Bettina K. A voirjusqu'au 1er septembre

L'une peint. L'autre sculpte. Leur exposition s'intitule "Une Recontre". Ellles expliquent : "Un jour nos chemins se sont croisés grâce à la peinture, une envie naît de prendre un bout de ce chemin ensemble et une belle histoire commence. Une histoire qui tourne autour de la couleur, de la pierre, de la matière, de la lumière, De là émerge l’idée de laisser vivre les images sculpturales et picturales ensemble, de nous montrer, le temps de cette exposition, pour continuer nos trajets sous des regards nouveaux. comme une danse dans laquelle les différences, les désirs du partage et des questionnements se laissent guider par des rêves, des regards et des mains invisibles de l’âme. Une histoire dans laquelle il y a toujours la place pour l’être humainimal, ses origines et ses rêves."

 Pratique:
- Ouverture: mardi au vendredi 9h/12h ; 14h/19h; Samedi 14h/18h ; Dimanche 9h30/12h30

 

Agnès Nazarian,  Bettina K, allegre les fumades

Florence Vernassian et Stéphane Barron à la limite de l'art et de la science au FRUC à Montpellier

 

stephane barron,florence vernassian,fruc

Etonnantes performances aux FRUC jeudi soir ! Avec une soirée à la limite de l'art et de la science.
Stéphane Baron présentait son
 "Techmochrome" : 
 des mains trempées dans une peinture qui disparaît et laissent des empreintes après être passées dans un frigo. Des empreintes qui ressemblent à celles laissées par les hommes des cavernes. Cette performance fait suite à l'expérience "Contact" (1) et en appelle une autre qui pourrait s'intituter esquisse.
Perfomance suivante avec la sophrologue Florence Vernassian. Position allongée ou relax pour les visiteurs. Voix apaisantes, Florence vernassian conduit chacun à une expérience intime de la couleur. Chacun invente ses rouges ses verts... dans sa tête. "L'ambition consiste à se passer d'interface", explique Stéphane Barron. Ici, pas besoin de tableaux ou autres supports l'art est dans tête de chacun.
 Pratique :
stephane barron,florence vernassian,fruc- L'expo est visible jusqu'au 3 juillet sur rendez-vous au FRUC, 3 bis rue Labbé Montpellier
- Nouvelles performances le 3 juillet à 21h.
- Le FRUC : un lieu artistique écologique ou un projet d'écologie urbaine. Un espace d'exposition de 100 m2 intégré à un lieu d'habitation qui se déploie autour d'un jardin naturel et évolutif d'où se dégage immédiatement une impression de « fraîcheur et de plaisir »
 (1) Deux plaques de cuivres étaient positionnées à plusieurs kilomètres de distance. "Le seul fait d'en toucher une faisait chauffer l'autre", assure Stéphane Barron

stephane barron,florence vernassian,fruc

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Dominique Hesse expose à l’Atelier 17 à Paris en septembre

Dominique Hesse Née en lorraine, Dominique Hesse peint depuis 1999 mais elle n'expose que depuis 2009. De ses années d'enfance à la campagne, elle a gardé le goût de la nature et de ses beautés. Elle la trouve extraordinaire, toujours étonnante et jamais banale. C'est ainsi que ses sujets se sont imposés d'eux-mêmes. Elle n'a jamais ressenti l'envie ou le besoin de les transformer sur ses toiles car la nature est, pour elle, une source d'images, d'idées, d'invention inépuisable. Et même si son inspiration (ou son imagination, sa réflexion) se limite à la représentation de la nature, elle retranscrit ce qui fait son essence.
 Dominique Hesse Autodidacte, elle a suivi des cours dans différents ateliers pour se perfectionner. Elle peint essentiellement à l'huile car elle aime la douceur de sa texture. Elle procède en "plan rapproché" car c'est un vrai plaisir pour elle, de réaliser la transparence d'une aile, d'un grain de groseille, le délicat cristallin d'un oeil ou la force du muscle de l'animal. Le public éprouvera, en regardant ses tableaux à l’Atelier 17, ce sentiment que chaque belle chose que l'on oublie parfois de contempler, nous transmet une émotion. Cette année Dominique Hesse a reçu son premier prix qui récompense son travail : Une mention peinture au Salon des Artistes Lorrains, une des plus grandes expositions de peinture de l'Est de la France.

Pratique:
- Exposition du 3 septembre au 2 novembre
- Vernissage le jeudi 6 septembre à l’Atelier 17, de 18h à 22h
- Atelier 17 – 17 rue de l’Arc de Triomphe, Paris
- Tél : 01 44 09 93 14
- Horaires d’ouverture : Lundi, Mardi, Jeudi de 15h à 19h Vendredi et Samedi de 15h à 20h30 ou sur Rendez-vous au 01 44 09 93 14
- L’Atelier 17 est fermé les dimanches et jours fériés www.atelier17.fr

28/06/2012

Marie-Geneviève Burguière et ses photos "ambivalentes" au restaurant Volodia à Montpellier

Marie genevieve burguiere, le volodia, montpellier

Marie genevieve burguiere, le volodia, montpellier


Exposition d'une vingtaine de photographies d'art en couleur ou noir et blanc  de Marie-Geneviève Burguière sur le thème de "L'ambivalence du progrès" Au restaurant le Volodia (29 rue Jean-Jacques Rousseau, Montpellier). A voir jusqu'au 17 septembre

"L'ambivalence du progrès se traduit aujourd'hui par : une vie plus facile et la destruction de celle-ci... Il fascine par les possibilités qu'offre l'énergie et la promesse d'une vie plus facile. Il dérange par la nuisance dans le milieu de vie et la dégradation du paysage..."  Une phrase de Marie-Geneviève Burguière pour expliquer ses images à la fois ordinaires et mystérieuses, poètiques et réalistes.
Des beaux et monstrueux TGV de la gare de l'Est aux poteaux électriques tordus sur fond de ciel bleu, l'"ambivalence" dans les images de Marie-Geneviève Burguière est omniprésente. Un peu comme si la photographe perpignanaise, après avoir été émerveillée par les lumières de la ville avait voulu montrer l'envers du décor...mais en le magnifiant. Enfant Marie-Geneviève Burguière révait de faire de belles images. Voilà, c'est fait! 

Marie genevieve burguiere, le volodia, montpellier


Marie genevieve burguiere, le volodia, montpellier


Jean-Pierre Formica et Charles-Joseph Natoire aux musées des Beaux arts de Nîmes

Le musée des Beaux-Arts de Nîmes rend hommage à Charles-Joseph Natoire (1700-1777) dessinateur et présente pliusierus aspects de l'oeuvre de Jean Piere Formica; A voir jusqu'au 16 septembre.


jean pierre formica"Eclats" de Jean-Pierre Formica : 
L'artiste nîmois Jean-Pierre Formica a été choisi pour réaliser l'affiche des 60 ans de la Feria. A cette occasion, le musée des Beaux-arts expose plusieurs aspects de l'oeuvre de l'artiste. Ainsi statues de sel, aquarelles, peintures, céramiques viendront en dialogue avec les chefs-d'oeuvres anciens des collections. C’est pour l’artiste l’occasion de présenter la multiplicité de son travail.  Il ne s’agit pas d’une rétrospective, mais de la possibilité pour cet artiste dont on connaît surtout l’œuvre peinte de montrer les nombreux axes de son travail.

charles joseph natoire"Le dessin à l'origine de la création artistique" de Charles-Joseph Natoire (1700/1777) :  à l’occasion de la parution de la monographie de Natoire aux éditions Arthena, rédigée par Susanna Caviglia-Brunel, le Musée des Beaux-Arts propose une exposition sur Charles-Joseph Natoire; dessinateur. Quatre-vingt-onze dessins sortent exceptionnellement des réserves de collections privées et publiques (dont le musée du Louvre et le Musée Atger de Montpellier) pour le plus grand plaisir du public. Les sanguines, pierres noires et lavis permettent d’aborder les différentes fonctions du dessin dans les étapes de la création chez Charles-Joseph Natoire.

Pratique :
- Musées des beaux arts, rue de la Cité Folc
- Tel. 04 66 28 18 32

27/06/2012

UtopiANTE : poésie, art contemporain et... politique à Aubais (Gard)

aubaisLes artistes nomades et les quatre saisons de l’art présentent l’exposition UtopiANTE politique et poétique : un temps de plaisir et de découverte, de partage autour de la création contemporaine. C'est au château d'Aubais. A voir jusqu'au 22 juillet
En investissant les lieux du patrimoine local transformés en galeries éphémères dans un état d’esprit d’intimité et de convivialité, une véritable atmosphère s’en dégage pour permettre de saisir la jonction entre politique et poétique dans l’art contemporain.
 Treize artistes dévoilent ainsi leurs regards sur cette réflexion lors de l’exposition UtopiANTE politique et poétique : Art Act , Jean-Adrien Arzilier, Pierre Bellemin, Daphne Brottet, Didier Casiglio, Loul Combres, Marie Duarte, Pablo Garcia, Alexandre Giroux, Hamid Maghraoui, Mehdi Melahoui, Delphine Sauret, Michael Viala.
En amont de l’exposition différents projets sont lancés dont un appel à contribution pour « les livres voyageurs ».
Tout au long de l’exposition sera présent « l’espace blanc » qui est dédié à des projets de micro-édition. Lors de la journée du 14 juillet, les clameurs investiront dès le matin le village avec la Cie Art en scène Lutin ( Eve Combres et Phil Goupillion ) et l’installation sonore de Pablo Garcia se répandra dans Aubais de 10h30 à 11h30. À partir de 12h30, un pique-nique populaire au Moulin de Carrière se déroulera entrecoupé de temps de lecture du texte de Frédérick Darcy « L’Archipel des Chaos », et cette journée se terminera par une performance de poésie sonore et visuelle.


utopiante 

Art contemporain : dix artistes envahissent le Clos de la Fontaine, une maison d'hôtes et d'art (Uzès)

le clos de la fontaine,uzèsLe Clos de la Fontaine, près d'Uzès, invite 10 artistes d'art contemporain. A voir jusqu'au 30 septembre.
Maison d'hôtes et d'art fondée en mai 2011 par Annick et Michel Rey, le Clos de la fontaine est une belle demeure du XVIIIe siècle située à Saint Laurent la Vernède proche d'Uzès de Saint Quentin la Poterie et du célèbre Pont du Gard.
Tous deux passionnés d'art contemporain, ils organisent chaque saison dans les lieux de vie de leur maison d'hôtes, une exposition d'œuvres d'artistes émergents ou confirmés.
Dix artistes ont été invités cette année à exposer leurs œuvres dans les chambres et toutes les pièces de la maison, le jardin, ainsi que dans l’espace galerie :


- Alexandra Bellamy : photographies et vidéos.
- Sandrine Cnudde : Photo-poèmes et vidéo 
- Mike Delight : sculptures
- Françoise Deverre :peintures
- Claudio Isgro : 
- Philippe Judlin : Peintures
- Madé : peintures , sculptures
- Gérard Mannoni :sculptures
- Sylvie Romieu : photographies
- Sylvère : peintures

 

Pratique: 
Si les hôtes ont ainsi le privilège de séjourner dans cet univers créatif entourés d’œuvres d’art, le Clos de la fontaine s'ouvre aussi, sur rendez-vous, aux visiteurs de passage. Plus d'informations : Le Clos de la fontaine 3 rue du lavoir 30330 Saint Laurent la Vernède Tél : 04 66 72 97 85 ou 06 13 97 82 64
 

le clos de la fontaine,uzès

Justine Maillard et son expo photo "Paris ma jolie" à la Grande Brasserie (Montpellier)

 

justine maillard

Photo rétro, image en noir et banc du Paris des années 29... voilà "Paris ma Jolie", une exposition photo de Justine Maillard qui sera présentée à Montpellier à l'occasion de l'inaugurationde la Terrasse de la Grande Brasserie, place de la Comédie  à Montpellier. Vernissage privé avec de nombreuses autres animations.

Originaire de la ville d'Arthur Rimbaud, Justine Maillard  a toujours été passionnée de littérature et de poésie. Tombée amoureuse de la photographie par le biais de son père, photographe amateur toujours armé de son Nikon FM, elle s'est mise très vite à réaliser ses premiers clichés.
Bien longtemps, la magie de ces jeunes images a été rompue par la présence de son index, là-haut, à droite sur les tirages ; mais Justine ne semblait pas vouloir en faire une quelconque marque de fabrique et au fil des années elle a poursuivi ce loisir, qui est devenu une véritable passion, dévorante et indéfectible.
Premiers clichés : ses copines en robes voilées au coin d'un parc, derrière la maison familiale. Des explorations qui devenaient timidement plus personnelles. Son premier projet "Journées d'Hiver", exploration urbaine poétique, fît naître un mot d'ordre : "Je ne pourrai plus, désormais, vivre sans la photographie". L'exploration du monde, l'exploration de soi, devinrent très vite indispensables ; cet outil incroyable qui la passionnait tant devenait son propre miroir, terrain de jeu où la réalité se conjugue si mystérieusement avec le monde des rêves... son monde, ses fantasmagories. Thérapie, recherches, ouvertures et expérimentations : Justine livre un monde psychologique et graphique où chacun peut s'ouvrir à une introspection.
Plus que jamais impliquée dans son métier-passion, Justine n'a jamais hésité à tout investir dans la mise en oeuvre de ses projets, principalement dans la préparation de la collection "Paris, ma jolie" qui l'a tenue 3 ans durant en conjuguant ses études à sa passion de toujours. (Texte extrait du site de Justine Maillard) 

justine maillard

 

26/06/2012

La photographe Lourdes Grobet présente un dispositif expérimental à Nîmes (Galerie Negpos)

lourdes grobet


A Nîmes, "le printemps photographique 2012" se clôture en forme d'ouverture et de dissolution : avec l'exposition finale  "Le Nouvel Homme de Bering" de la photographe mexicaine Lourdes Grobet que présente la galerieNegpos. Vernissage vendredi 29 juin à partir de 18h30
  Cette exposition se déroule  dans le cadre d'une "première". En effet, Lourdes Grobet présentera à Nîmes sa dernière création. Fameuse pour ses photographies de Lucha Libre qui immortaliseront entre autres El Santo et Blue Demon, la photographe revient, cette fois, avec une proposition aux antipodes de ces photographies-là et un dispositif pour ainsi dire "quasi expérimental" réunissant le son, l'image fixe et en mouvement.
Lourdes Grobet a étudié les arts plastiques à l’Université Iberoamericana, le design graphique et la photographie au Cardiff College of Art et au Derby College for Higher Education, au Royaume-Uni. Elle a participé à plus de cent expositions individuelles et collectives dans des centres tels le MoMA de New York et le MoMA de San Francisco. Elle a produit un très important travail autour de la Lucha Libre mexicaine qui fait référence et qui a été présenté en 2007 durant Foto España (Madrid) et au Pavillon Populaire (Montpellier) au printemps 2008. Elle a actuellement recours aux nouvelles technologies comme outil pour mettre en valeur la théâtralité des scènes populaires. Ses clichés ont été publiés dans des ouvrages tels Se escoge el tiempo (On choisit le temps) (1983), Luciérnagas (Lucioles) (1984), Bodas de Sangre (Noces de sang) (1987) et Lourdes Grobet (2004). Une rencontre avec l'artiste aura lieu le samedi 30 juin de 16h à 19h. Elle permettra de poser toutes les questions à l'artiste. Cette rencontre sera suivie d'un cocktail. Lourdes Grobet sera aussi présente du 2 au 7 juillet à Nîmes prête à recevoir pour une visite guidée, uniquement sur rdv. 

Pratique : 

- Une rencontre avec l'artiste aura lieu le samedi 30 juin de 16h à 19h. Elle permettra de poser toutes les questions à l'artiste. Cette rencontre sera suivie d'un cocktail. Lourdes Grobet sera aussi présente du 2 au 7 juillet à Nîmes prête à recevoir pour une visite guidée, uniquement sur rdv. 
 - Galerie Negpos, 1 cours Nemausus, Nîmes

lourdes grobet, galerie negpos, nimes

Vincent Corpet revisite les tableaux des maîtres à Perpignan (Centre d'art à cent mètres du centre du monde)

vincent corpet,perpignan

 

“Fuck Maître » une exposition de peinture de Vincent Corpet. A voir jusqu'au 30 septembre au Centre d’art contemporain Acentmetresducentredumonde  à Perpignan.

Vincent Corpet est né le jour du Printemps de 1958. Vingt ans plus tard, jour pour jour, il  décide de devenir artiste. Entré à l’École des Beaux-Arts de Paris en 1979, il en ressort, deux ans plus tard, le Diplôme supérieur d’art plastique en poche. "J'ai peint mon premier tableau le 8 juin 1982, c’est le seul qui porte un nom : Pour le renouveau du bien être. Les tableaux suivants jusqu’à aujourd’hui, sont identifiés par un code qui précise le numéro du tableau, l’année où il a été peint, et la taille de la toile en centimètre : 2976, 2000, 130x81. Comme ça, c’est simple ! Car un quart de siècle plus tard, plus de 3000 tableaux sont sortis de mon atelier." explique  Vincent Corpet qui pour sa deuxième exposition àcentmètreducentredumonde, a convoqué les Maîtres l’art. Qu’ils soient anciens, modernes, ou contemporains. Ce sont leurs tableaux recopiés en noir et blanc, à taille réelle et avec désinvolture, qui servent de fond à ses nouvelles peintures.

Pratique :
- Du 29 Juin au 30 Septembre.
- Centre d’Art Contemporain Acentmetresducentredumonde 3, av de Grande Bretagne, Perpignan
- Tel. 04 68 34 14 35
- Ouvert tous les jours (dimanches et jours fériés inclus) de 15h à 19h Tarifs: 3 euros / 1,5 euros (étudiants, enseignants et demandeurs d’emploi.

 

vincent corpet,perpignan

vincent corpet,perpignan

vincent corpet,perpignan

 


25/06/2012

Au musée Fabre, vernissage de l' exposition "Corps et ombres : Caravage et le caravagisme europeén"

 

caravage

Une image du vernissage de l'exposition-événement "Corps et Ombres : Caravage et le Caravagisme Européen", qui s'est déroulé au musée Fabre de Montpellier Agglomération. Légende du visuel : Jean-Pierre Moure , Président de Montpellier Agglomération, a inauguré ce au musée Fabre l'exposition-événement Corps et Ombres : Caravage et le Caravagisme Européen aux côtés notamment de : -Nicole Bigas, Vice-présidente de Montpellier Agglomération, déléguée à la Culture ;  Michel Hilaire, Directeur et Conservateur en chef du Musée Fabre ; Jean-Louis Sautreau, Directeur Général Adjoint, Delégué à la Culture à la Ville de Toulouse ; Axel Hemery, Conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée des Augustins de Toulouse ; Josette Steinbach, déléguée aux Affaires culturelles près le Consulat général des Etats-Unis d'Amérique à Marseille ; Marie-Christine Labourdette, directrice chargée des musées de France, Coprésidentede FRAME ; Pierre Provoyeur, sous-directeur de la politique des musées, Directeur FRAME France ;  Charlotte Eyerman, Directrice FRAME Amérique du Nord ; Christian-Pierre Larnaudie, Président de FRAME Développement.


 Au musée Fabre de Montpellier Agglomération, le caravagisme du sud est mis à l’honneur dans un parcours rassemblant près de 75 oeuvres des plus grands maîtres. La salle introductive exceptionnelle expose les chefs-d’oeuvre du Caravage dont plusieurs rarement vus en France.
Une exposition, à voir juqu'au 14 octobre et sur laquelle nous reviendrons.

23/06/2012

Les années Survage au musée d'art moderne de Collioure

 Le Musée d’art moderne de Collioure  organise une  importante exposition qui regroupe les œuvres majeures réalisées lors des séjours de Léopold Survage à Collioure entre 1925 et 1932. A voir jusqu'au 30 septembre.
Le site de Collioure est connu dans le monde entier grâce au passage de nombreux artistes pendant tout le XXe siècle et notamment à travers l’expérience fauve lors de l’été 1905 conduite par Matisse et Derain. De très nombreux artistes y ont séjourné : Marquet, Valtat, Max Jacob, Juan Gris.
Tous ont rendu hommage à cette petite ville connue dans le monde entier pour sa beauté et sa remarquable lumière. Léopold Survage n’y a pas échappé et ses longs séjours à Collioure de 1925 à 1932, témoignent de son engouement pour le site et ses habitants.
Homme du nord, c’est bien à Collioure que Léopold Survage saisit l’intensité mythique de la Méditerranée et transforme son style et son écriture entre cubisme, abstraction, futurisme et réalisme. L'exposition regroupera pour la première fois les œuvres que Survage a réalisées à Collioure et aujourd’hui dispersées dans les prestigieuses collections des musées américains et européens, sans oublier d’importantes collections privées.
Pratique:
- Ouvert tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 18h,fermé le mardi.
- Tarifs : exposition temporaire : 5 € , réduit 3 €, gratuit jusqu'à 12 ans.
- Tél : 04 68 82 10 19

survage, collioure

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